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Ismael Iglesias. La búsqueda de lo esencial

Ismael Iglesias. 1974. Durango (Bizkaia). Vive y trabaja en Bilbao (Basque Country). Participó en el proyecto Espacio Abisal y residió en Londres en Delfina Foundation. Ismael Iglesias es un artista multidisciplinar, que ha sabido construir una obra plural, con estilo propio. Sus propuestas, a medio camino entre la pintura y la instalación, se han expuesto en numerosas muestras colectivas e individuales, en Bilbao, Barcelona, Madrid o Londres.  Sus obras, de gran efectividad visual, proceden de la sistemática búsqueda en los medios tecnológicos actuales. No tanto con el fin de captar imágenes para posteriormente trasladarlas al lienzo sino para comprender y aceptar su velocidad de articulación. Esta paradigmática búsqueda de lo esencial, del recuerdo en diferentes fases, hace que mediante la parcelación sistemática, conjugue los logros de la vanguardia pictórica tradicional con la luminiscencia opaca de las pantallas del ordenador .

Catalogues online: http://issuu.com/ismaiglesias

More info: www.ismaeliglesias.com

 

 COMIENZOS: Háblanos un poco de tus inicios tras licenciarte … ¿como fuiste entrando en la “rueda”? ¿Recibiste ayudas de algún tipo (becas, etc)?

En 1992 entre en la facultad de BBAA de Leioa, con más carencias que ilusión y con la motivación de que me gustaba dibujar, en 1997 finalicé la especialidad de pintura y al año siguiente la de Audiovisuales, además pude disfrutar de una beca Erasmus que me llevo 4 meses a Bristol, y es aquí cuando tomo la decisión de intentarlo como artista, lo primero que hago al volver es buscarme un lugar como estudio en mi pueblo, Durango. Los próximos 4 años serán fundamentales en el aspecto de la experimentación y búsqueda de uno mismo a través de la pintura, se trata de desarrollar  los contenidos comprendidos en el periodo universitario, para ello comparto mi experiencia personal diaria con la soledad y además me involucro en un grupo de 4 personas, donde todos participábamos y pintábamos en grupo. Estas experiencias paralelas me ayudaron a aprender a mirar lo de los demás, a compartir decisiones e intentar afinar desde la intuición. Las becas y ayudas son posibilidades de realizar tus propuestas bajo financiación más o menos segura, me he presentado a todo lo que he podido y con la insistencia terminas recibiéndolas, aunque diría que la mayor gratificación está en aquellos momentos donde aun no recibiendo ayuda he puesto todo de mi parte para realizarlas.

EVOLUCIÓN: ¿Como ha ido evolucionando tu obra a lo largo de los años?

Actualmente lo veo como un “timeline” donde he ido creciendo, en un principio me preocupe por intentar controlar técnicamente aquello que me obsesionaba, creo que mi exposición en Bilbao en la Galería Bilkin, MEGAGUANDER (2001), fue una buena carta de presentación. Dicha exposición se presento junto a un catálogo donde mostraba mi interés por la búsqueda desde la tradición pictórica por las imágenes del mundo tecnológico e informático intentando sumergir al espectador en un zapping visual donde predominaban desenfoques, atmósferas y representaciones tridimensionales desde una especie de abstracción que si pretendía representar algo, que evidentemente sigo buscando.

NO SOLO PINTURA: ¿Otras facetas que tratas además de la pintura?

Durante todo este tiempo  he trabajado de manera paralela con fotografía y audiovisuales , siempre concibo mis exposiciones como una gran instalación donde conviven distintas disciplinas, que cada día tienden más a hibridarse.

Cuando he pintado, casi siempre he recurrido a dejarme llevar por la intuición o ideas mentales que he ido modificando a base de superposición de capas, por lo tanto  a menudo evito tener un boceto previo, se va construyendo en la tela y el trabajo diario me lleva a ir definiendo la imagen. Actualmente combino varias maneras de hacer así procuro tener mas posibilidades para sorprenderme a mí mismo. La fotografía en ocasiones me sirve para documentar procesos de creación, como finalidad en otras ocasiones, si bien considero que la utilizo desde un punto bastante perverso, a veces utilizo el scanner como cámara fotográfica o como soporte para posteriormente pintar.

El video o mas bien la cámara me sirvió durante mucho tiempo para mirar como lugar de búsqueda, desde hace un tiempo voy construyendo distintos audiovisuales que espero cobren algún sentido en el futuro.

INSPIRACIÓN: lo que te atrae, lo que te llama la atención para expresarte. ¿Recibes influencias por aparte de algún otro artista o movimiento? MATERIALES: ¿Con que materiales sueles trabajar? DISCIPLINA: Tu método de trabajo …. ¿trabajas con un horario fijo … o no? ¿cómo te organizas para preparar una exposición?

No creo en la inspiración, creo que en el trabajo diario, que puede ser muy diverso, desde buscar información hasta dibujar un sketch en una servilleta. Mi método de trabajo es diverso y amplio, tengo un Studio donde voy componiendo y pintando material que luego me servirá para afrontar mi próxima exposición, simultáneamente sigo alimentándome de la historia del arte, el diseño gráfico, el mundo audiovisual  y de mi relación con Internet y los libros. Busco continuamente para poder entenderme y desde el arte generar una opinión sobre este mundo en el que vivo. Habitualmente cuando hay una exposición valoro muchísimo estudiar minuciosamente el escenario donde se va a enseñar y así poder construir algo específico para el lugar.

EL ARTE EN EL PAIS VASCO: ¿cómo lo ves? ¿es fácil moverse o no? ¿se consiguen ayudas? 

Incómoda pregunta, veo casi todo lo que se expone en el país vasco, procuro visitar todas las exposiciones en vivo y como ultima oportunidad me informo mediante Internet de aquello que no he podido visitar, aparentemente hay un flujo de actividad, poseemos numerosos museos y centros de arte con variopinta programación, desde presupuestos potentes hasta propuestas mucho más frágiles que a veces aciertan muchísimo más. La clave esta en los programadores, en los que deciden. Mi sensación es que algo estamos haciendo mal, para no empujar desde las instituciones a los muchos artistas de calidad que ofrece el espectro contemporáneo vasco.

Las galerías no se encuentran en su mejor momento y no dejan de ser negocios privados que velan por su seguridad, en ocasiones ni siquera por la de sus artistas, cosa que desanima en muchas ocasiones al joven artista.

Hay numerosas ayudas desde gobierno vasco, diputaciones y centros especializados, asi que mi consejo es insistir en trabajar, enseñar dignamente dónde se pueda y hacer llegar la información a aquellos agentes que pueda interesar, el NO ya lo llevas por delante; si no consigues lo que buscas hay que seguir insistiendo.

PROYECTOS: Cuéntanos un poco sobre tus proyectos futuros a corto o largo plazo …. 

Actualmente tengo una residencia en Mallorca en el centro cultural Andratx donde residiré un mes y un proyecto mural en Los Ángeles junto a otros dos compañeros Fermin Moreno y Aitor Lajarín.

IKAS-ART: ¿tu opinión? ¿que te parece la iniciativa?

Me parece genial poder tener posibilidad de exponer, la gente que empieza lo necesita aun más que los que ya llevamos un espacio recorrido, desde la universidad se deberían poner de acuerdo para posibilitar la relación de los artistas con el mundo exterior. Desde como preparar un dossier a como relacionarse con los intermediarios y explicarles cuales son los derechos de autor, como se registra la obra de un artista, etc, etc…Hay que informar para poder enfrentarse bien a un mundo complicado donde aparte de las virtudes de los jóvenes artistas, se necesitará saber comunicarse con todos los agentes implicados, obtener la máxima información sobre becas, premios, concursos, subvenciones e intentar profesionalizar una actividad donde a menudo cobra todos excepto el artista. La suerte es necesaria pero primero hay que trabajar.

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Certamen de pintura rápida “ARENATZarte y su entorno”

El Ayuntamiento de Güeñes celebrará el próximo día 25 de septiembre de 2011, un Certamen de Pintura Rápida al aire libre “ARENATZarte y su entorno”.

Podéis ver las bases aqui: Pintura Rápida Arenatzarte

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srger

Sergio Gómez. Sevilla 1983. www.srger.com

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María Lezón. Una pintora española en Canadá

Entrevistamos a María Lezón, una española, nacida en el Pais Vasco, que lleva más de 20 años viviendo a caballo entre España y Canadá, dónde estudió, formó su familia y es una reconocida pintora. Actualmente María está proyectando dejar Canadá e instalarse en el sur de España definitivamente.

Sus pinturas coloristas, llenas de vida y de dramatismo son un reflejo de su personalidad y sus estados de ánimo. María nos cuenta sus primeros pasos como pintora, sus estudios y su evolución en este mundo del arte en el que como ella dice: “el éxito viene de dos maneras: Una manera es el éxito de poder pintar a pesar de las demandas de la vida, y la otra es el éxito de poder vivir de ello. Ahora tengo los dos campos de batalla ganados, mi proyecto es seguir en ello”.

¿Porqué canadá María? ¿Cómo acabaste allí?

Cuando terminé el colegio decidí irme un año al extranjero a aprender inglés y elegí Canadá como destino. Luego volví a españa y tenía que buscar un lugar dónde estudiar la Carrera de Bellas Artes, toda mi vida he pintado en los márgenes del libro en el colegio, en clases de pintura, en las paredes de la calle, en mi ropa, en la de los demás, en todo y en cualquier sitio así que tenía muy claro que lo mio era Bellas Artes pero también tenía muy claro que quería irme fuera del Pais Vasco, cambiar de aires. Mi primera opción fue Salamanca, pero en aquel momento era muy complicado estudiar una carrera en otra universidad pública si la tenías disponible en tu lugar de residencia y finalmente no pude entrar. Tras el intento fallido acabé perdiendo un año universitario que dediqué a pintar y dar diversas clases para ahorrar algo de dinero …. con ese dinero decidí volver a Canadá y buscarme allí la vida. Y así acabé estudiando Bellas Artes en la Universidad de Saskatchewan, en Saskatoon, dónde me licencié en 1995 con Matrícula de Honor y con intencion de hacer un postgraduado en arquitectura. Entre una cosa y otra, yéndome por las ramas de la vida, nunca mandé la solicitud y me he mantenido pintando aquí y allí hasta hoy.

Entre medias he seguido estudiando historia del arte, diseño gráfico, grabado, cerámica, talleres de azulejos clásicos, historia contemporánea y cada cosa que hago me informa sobre la otra. Para resumir, empecé en serio en el año 1996. 

¿Y qué tal funciona la universidad en Canadá? ¿notaste muchas diferencias con respecto a lo que tu conocías?

La verdad es que sí. Allí todo funciona a base de talleres y proyectos concretos sin planes de estudios, es mucho menos “académico” que en europa. Yo estaba acostumbrada a clases de pintura en las que lo fundamental era depurar tu técnica, copiar modelos del natural y cosas así y de pronto me encuentro conque lo más importante no es la técnica sino la “intención”, allí daba igual que dibujaras como un niño de 4 años si sabías y podías defender tu trabajo. Lo importante era dar rienda suelta a tu creatividad, desarrollarte como artista en un sentido más personal … Personalmente me pareció fantástico pero también eché en falta los conocimientos técnicos. Pienso que lo bueno es tener ambos bagajes y saber dominar la parte técnica para poder desarrollar sin complejos la creativa. 

¿Existen becas o algún tipo de ayuda para dedicarse al arte en Canadá?

Existen unas becas muy interesantes dirigidas a la investigación artística. Cualquier artista, escritor, fotógrafo, etc puede optar a ellas. El Gobierno tiene acuerdos con residencias de artistas en diferentes lugares del mundo, como Nueva York o Francia, por ejemplo, y lo que hacen es pagar las estancias en estas residencias además de un pequeño sueldo al mes para que los artistas puedan pasar temporadas en el extranjero investigando y desarrollando su trabajo en un ambiente enriquecedor y de intercambio con otros artistas.

¿Cómo funciona allí el mercado del arte?

Canadá es muy serio, muy lento y muy profesional. El arte se mueve poco y entre pocos. En España el arte está en todas partes, es todo más rápido, hay desde exposiciones y galerias de lo menos serias a lo más serio del mundo. El arte se mueve rápido y entre todos. En Canadá hay poca financiación privada para las artes, lo grande es todo del estado. En España hay muchos concursos con premios públicos y privados y se compra arte para cualquier cosa.

Háblanos un poco de tu carrera María ¿Cómo ha sido el camino recorrido hasta llegar aquí?

Pues la verdad es que en mi caso, y supongo que en todos los casos, la clave es literalmente “apuntarse a un bombardeo”. Desde el principio me organizaba yo mis propias exposiciones, en bares, en cafeterías, incluso en casas de amigos, me apuntaba a todos los concursos que podía, becas … en fin, el caso es moverse y estar abierta a todo. Y así poco a poco conseguía vender bastantes cuadros, seguía estudiando, investigando y me fui trazando mi propio camino y abriéndome paso, la gente me conocía y me empezaron a llamar de galerías hasta llegar a la actualidad en la que ya tengo galerías fijas en Canadá, Gijón y más recientemente Japón. También desde siempre me he relacionado mucho con otros amigos artistas y al final se va creando un vínculo, una marea que te va llevando sin que tu seas muy consciente. así es como he llegado hasta dónde estoy ahora.

¿La rutina es importante para la producción?

No sé si la rutina pero si hay que tener cierta disciplina. Hay que estar contínuamente produciendo exposiciones aunque no las tengas contratadas, tener siempre producto disponible.

En mi caso voy todos los días al estudio, como quien va a la oficina. Cinco horas a pintar, como con el pincel en la mano de 8 a 1 p.m. ó 2 p.m. Por la noche, a veces meto otras horas más, pero eso ya más desordenado. Así llevo seis años, desde que nacieron mis hijos. Antes de ellos, iba menos, pero más tiempo, hacía lo que me daba la gana. Ahora tengo el tiempo más organizado y no pierdo ni un minuto.

¿Cómo definirías tu estilo? ¿notas una evolución en tu manera de expresarte?

Si, por supuesto mi forma de pintar parte de un expresionismo de formatos enormes, tamaño murales sobre papel, figurativo y colorista, pasa por un expresionismo minimalista en blanco y negro y ahora estoy en un expresionismo controlado donde empiezo trazando libremente lineas sobre el clienzo, y luego les voy dando forma, colorista de gran contraste entre claro y oscuro, dramático. Es como si todo lo que he hecho hasta ahora se combinara. Un poco como la masa de un pan: la tiras sobre la mesa y luego le das forma.

El tema es siempre la mujer, con visión contemporanea. Ella es siempre protagonista, y según me hago mayor va cambiando su papel. Yo hablo de lo que conozco, de lo mío. Cuando empezaba, allá con veinte años, era todo una crítica, un rechazo: hablaba de sexo, de revolución social, de estereotipos, de religión y política, siempre con humor y estética de burguesía vasca, de donde vengo. Sigo igual, he pasado de criticar, a mezclar culturas, religiones, sexos. Actualmente he abandonado la figura humana para dejarla en un plano implícito, pinto naturalezas muertas, rincones de casas en los que se intuye pero no se ve la presencia humana y temas mucho más intimistas pero con un toque dramático.

Pero no todo es pintar ¿verdad?

No claro, para “sobrevivir” he hecho otras cosas como dar clases de español o de pintura, charlas … esto también me ha permitido seguir vinculada al ámbito universitario.

¿Que te parece Ikas-Art?

Pues la verdad es que me parece una iniciativa fantástica y una excelente oportunidad para los estudiantes. Disponer de un espacio como éste, con bastante repercusión, para exponer tu trabajo es un “chollazo”. Además es genial la idea de reunir en un mismo lugar diferentes sensibilidades y maneras de entender la enseñanza del arte. Cómo ya he dicho antes el contacto con otros artistas y las relaciones son fundamentales a la hora de trabajar y creo que Ikas-Art puede funcionar muy bien en este sentido.

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Erik Olson



Erik Olson, artista graduado en el Instituto Emily Carr, Vancouver (licenciado en 2007). Desde 2006 ha trabajado con el artista internacional Gordon Halloran realizando pinturas en Italia así como el Parque del Milenio, en Chicago y de nuevo durante las Olimpiadas de Vancouver en 2010.

Su trabajo se caracteriza por pinceladas gruesas y flojas que tejen espacios pictóricos dentro de unos sistemas integrados.

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Erik Olson is an artist and graduate of the Emily Carr Institute, Vancouver (bachelor’s degree 2007). Since 2006 he has worked with international artist Gordon Halloran to complete paintings in Italy as well as Millennium Park, Chicago and then again during the 2010 Vancouver Olympics.

His work is characterized by thick, loose brushstrokes that weave pictorial spaces into integrated systems.

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Amigas Mías y Vuestras. Exposición de Rosa Beiroa en Bellas Artes de Sevilla

Mañana 16 de diciembre a las 20 se inaugura en ESPACIO GB (C/GONZALO BILBAO 7/9. Anexo Facultad de Bellas Artes. Sevilla. Universidad de Sevilla) esta exposición de Rosa Beiroa coordinada por Fernando García García.

De la levedad y el peso por Fernando García García.

Las figuras que inundan  este diciembre el espacio expositivo de la sala GB de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, nos sumergen en un cascabeleo musical.  Orondas, ágiles y etéreas, ingenuas y ladinas, entre el peso de la morbidez y la gracia ingrávida de una danza continua, “globos de helio” atadas a la tierra, por el hilo tembloroso de una línea. La propuesta de Rosa Beiroa juguetea con los opuestos, nos conduce al  punto contrario de aquello que nos muestra. El juego con la línea continua encierra vacíos que se vuelven volumen desde una aparente facilidad gestual que demuestra sin embargo el apego a un apreciado conocimiento del dibujo. Los personajes, las “personajas” a menudo parecen una excusa para jugar con la línea, para ordenar la forma desde una aparente despreocupación lúdica, inserta en un juego que se vuelve ritmo, que contiene la cadencia de la línea y que se carga con el golpe pictórico. Juego con formatos de diversidad, con diversidad de medios, con movimiento quieto en los dibujos, con dibujos animados en movimiento. Juega con las manchas que son color antes que piel, que contienen el recreo también abstracto de los ritmos, controlados por el breve fluir de la línea. No hay pretensión de juicio, no hay pretensión de discurso evidente.

Bien podrían entroncarse con las Venus paleolíticas, con las voluminosas señoras de Botero, o con las “Nanas” de mediados de los 80 de Nikki de Saint-Phalle, “regordas” todas, llenas todas de un sentido de celebración alegre y acogedora del cuerpo femenino. Bien podrían asociarse con discursos de género, identidad y transgresión de los cánones establecidos por la idea occidental de la belleza contemporánea. Bien podrían convertirse en un alegato contra los fantasmas de la anorexia, o en una reivindicación de la sensualidad de las curvas generosas.

Pero la sensación que generan, que contagian, parece alejarnos de estas consideraciones pseudo sociológicas, moralinas de los discursos políticamente correctos. Nos trasladan más bien a la sonrisa cómplice de las protagonistas, al gusto sincero por el placer de hacer, de pintar, de dibujar, como camino de empatía con el espectador. Alegre manifestación del disfrute de lo trivial, comedia de situación y festividad de la ingenuidad aparente. Nos conducen a la comedia como género liberador del sin sentido de los hechos, como proceso de eufemización luminosa de una realidad cargada de sombras. Son divertidas en el más profundo sentido de la palabra, para su autora y para los espectadores, son amables y sencillas en un mundo complejo, son exorcización de la gravedad, tintineo de equilibrio entre la levedad y el peso, son “amigas mías y vuestras”. Desde la sonrisa que generan estamos encantados de acogerlas en la familia, no invaden, empatizan, no golpean, acarician, no gritan, susurran su danza llena de encanto.

Cuidado ahora, no hay comedia sin drama, no hay sencillez fácil, dejemos decidir a cada espectador, dejemos que la plástica hable, que nos recuerde que como sentenciaba Nietzsche, “el hombre sufre tan terriblemente en el mundo, que se ha visto obligado a inventar la risa”. Dejemos reposar la fiesta, quizá, a pesar de todo, este juego de elegante morbidez, de sensual dinamismo, contiene el germen de la angustia. Quizá como todas las comedias estas figuras contienen un drama… O no. Arriba el telón, que suene la música, que dancen la levedad y el peso.

Horario: Lunes a Viernes de 11 a 14 h y de 17,30 a 21 h
Fechas. DEL 16 DE DICIEMBRE de 2010 AL 25 DE ENERO de 2011

 

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Máscara Africana. Sola

 

Facultad de Bellas Artes de la UPV/EHU.
Dibujo de acuarela y tinta
http://sola-art.artelista.com/

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